АРХИТЕКТУРА И СКУЛЬПТУРА ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ

МИНИСТЕРСТВО ОБЩЕГО И ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ СВЕРДЛОВСКОЙ ОБЛАСТИ.
МУНИЦИПАЛЬНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ – СРЕДНЯЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА № 1 Р.П. БИСЕРТЬ.


МИРОВАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА.

ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКАЯ РАБОТА.
ТЕМА:

АРХИТЕКТУРА И СКУЛЬПТУРА ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ.






ИСПОЛНИТЕЛЬ: КРАЛИНА ТАТЬЯНА,
УЧЕНИЦА 11 «Б» КЛАССА.
РУКОВОДИТЕЛЬ: ПОЛУЭКТОВА
ЕЛЕНА ЮРЬЕВНА, УЧИТЕЛЬ
ИСТОРИИ.






БИСЕРТЬ, 2006.
ОГЛАВЛЕНИЕ.

Введение……………………………………………………..с.3-6
1 Архитектура и скульптура Древней Греции…………… с.7-22
1. 1 Крито – микенская культура…………………………..с.7-10
1.2 Культура греческой архаики…………………………..с.11-14
1.3 Культура греческой классики…………………………с.15-19
1.4 Эллинистическое искусство…………………………...с.20-22
Заключение…………………………………………………. с.23-25
Список литературы………………………………………… с.26
Приложение………………………………………………… с.27-



















ВВЕДЕНИЕ.

Не умаляя значения древних цивилизаций, мы должны признать, что особое влияние на развитие культуры народов Европы оказала Древняя Греция. Ее культура, богатая событиями и довольно подробно изученная и описанная, во многом известна всем. Однако, не будет лишним еще раз обратиться к ней. Чем обогатила эта древняя цивилизация человечество? Почему память о них сохраняется в веках, а интерес к их культуре не уменьшается с течением времени?
Цель данной исследовательской работы: показать развитие античной культуры и ее влияние на становление европейской культуры.
Задачи исследования:
- показать становление античной культуры, ее развитие;
- передача выразительности греческого искусства;
- на основе изученных источников рассмотреть особенности античной культуры;
- в ходе работы сделать выводы о влиянии античной культуры на становление европейской культуры.
В целом искусство античной Греции имело огромное значение для всей последующей истории мировой культуры. В нем впервые в истории человечества были осуществлены представления о красоте и достоинстве человека; с особой полнотой они воплощены в античной драме, поэзии и изобразительном искусстве. Замечательное зодчество, монументальная архитектура и скульптура. На фундаменте философии, литературы Древней Греции развивалась культура Европейской культуры.
При работе над темой возникла необходимость изучения многочисленных источников. Тема достаточно изучена, но многие авторы рассматривают некоторые вопросы с разных точек зрения.
Один из выдающихся исследователей Древней Греции – Генрих Шлиман – немецкий археолог XIX века. В 1871 г. он начал раскопки на холме Гиссалык.
4
Результатом раскопок было открытие 7 сменяющих друг друга городов. По – мнению Шлимана, 5 нижних были доисторическими, 6-й – лидийский, а 7-й – Греко-римским Илионом. По убеждению Шлимана, Троя находилась в нижних слоях холма. Троей оказался 6-й город, исследованный уже после смерти Шлимана его сотрудником В.Дерпфельдом. В 1874-76 гг. Шлиман провел раскопки в Микенах. Он изучил развалины стен с Львиными воротами XIV – XIII вв., алтарь, несколько каменных стел и 5 гробниц с золотыми масками, украшениями, оружием. Г.Шлиман открыл целую эпоху в истории Греции – микенскую (гомеровскую) Грецию.
Другой исследователь Древней Греции – Артур Эванс – английский археолог XX века. Он открыл руины Кносского дворца – дворца Миноса – и его окрестности. Эту цивилизацию он назвал минойской. А.Эванс создал периодизацию древностей Крита. В Кноссе А.Эванс нашел глиняные таблички с линейным письмом А и В.
А английский ученый XX в. Майкл Вентрис доказал, что линейное письмо В являлось ранней формой греческого языка.
Л.Г.Емохонова считала, что культура древней Греции складывалась стремительно. Если в Египте в течение нескольких тысячелетий образ жизни и мышления не менялся, то Греция за несколько веков проделала огромный путь, чему способствовали особые этнические и географические особенности. Балканский полуостров, огромные горы, богатая растительность, множество островов, близость к морским путям способствовали сближению человека с природой, проникновение других культур. Эллины называли мир Космосом и считали его разумным. Особенность эллинского мышления в том, что они анализировали все, что вызывало их удивление, а затем рационально объясняли. Отсюда реалистическое искусство, прежде всего, архитектура и скульптура с их соразмерностью пропорциям человеческого тела.
Древнегреческое искусство складывалось из трех основных потоков: 1).древнего Крито-Микенского искусства жителей островов Эгейского моря
5
(богатая архитектура дворцов Крита, Микен, красочная настенная живопись, керамика, золотые изделия);
2).влияние искусства Древнего Египта;
3). Искусство дорийцев, пришедших с севера и принесших геометрический стиль.
Б.Бродский утверждал, что древние греки любили все яркое. Мраморные изваяния богов и героев они раскрашивали или покрывали позолотой, храмы украшали цветным орнаментом – синим, красным и коричневым, рельефы красили золотой охрой. Если сравнить греческую статую с египетской, то заметна разница: египтянин всегда в спокойной, застывшей позе, со взором, устремленным перед собой. Неподвижность была достоинством фараонов и богов в Древнем Египте. Двигались и суетились лишь рабы. Греки считали, что неподвижны только мертвецы. Богов и атлетов греки изображали в движении. Греки любили танцы, музыку, спорт. Стремились воспитать гармонично развитую личность.
Греческое искусство прошло длинный путь. Первые греческие скульптуры относятся к VII в. до н.э. – так называемый архаический период – они немного напоминают египетские: сидят или стоят в скованных позах, устремив взгляд вперед. Но, в отличии от египетских, губы греческих статуй растянуты в радостной улыбке. К V в. до н.э. фигуры обретают движение, пропорции – естественность, лица – одухотворенность. Например, статуя «Дискобол» Мирона изображена в момент, когда юноша – атлет замахнулся тяжелым диском, под упругой кожей тренированные мускулы. Полны напряженной жизни и статуи Поликлета, который любил изображать атлетов в состоянии покоя. Но это не статичный покой, его копьеносец чуть согнул одну ногу, переместив тяжесть тела на другую. Кажется, пройдет время, и он сделает шаг вперед, повернет голову. А.А.Оганесян впервые назвал культуру Древней Греции и Древнего Рима античной. Другие исследователи этот термин относят только к Греции, считая ее колыбелью европейской цивилизации.
6
О населении Древней Греции нет достоверных данных. Наиболее изученными являются критяне, ахейцы, ионийцы.
Факторы, благоприятствовавшие возникновению древнегреческой культуры:
– особое положение Греции, благодаря которому она поддерживала обширные связи с другими странами;
– синтез культурных достижений многих народов, живших в разные времена на ее территории;
– умелое использование греками ценностей чужих культур.
В греческой культуре преобладало духовное начало, духовное многообразие, подвижность, свобода. Эти черты обеспечили древнегреческой культуре универсализм, позволяющий ей и сегодня быть актуальной.



















1. 1 КРИТО – МИКЕНСКАЯ КУЛЬТУРА.


Греческое искусство не возникло сразу, как Афродита из морской пены. У него длительная предыстория. В конце XIX и начале XX века раскопки археологов в Греции и на острове Крите приоткрыли перед нами ранний этап античности. Его центром в конце 3 и середине 2 тысячелетия до н.э. был Крит, а несколько позже – та часть греческого материка, где находится город Микены. В целом культуру этой эпохи называют крито – микенской, или эгейской.
Ее следы первым открыл Генрих Шлиман, который вел раскопки в Микенах и Тиринфе. После Шлимана Артур Эванс приступил к раскопкам в Кноссе, древнем городе Крита. В Кноссе Эванс открыл остатки обширного дворца. Это комплексы построек, группирующихся вокруг большого внутреннего двора. Расположены они на разных уровнях, соединяются между собой лестницами, коридорами; некоторые уходят под землю. Свет проникал в них через отверстия в потолке – световые колодцы. Одни помещения освещены ярче, другие погружены в полумрак. Кносский дворец заставил вспомнить греческий миф о Лабиринте. К главным входам во дворец вели широкие парадные лестницы. В центре дворцового комплекса находился большой прямоугольный двор протяженностью около 50 метров. В центре Кносского дворца располагался тронный зал.
Во дворцах были обнаружены ванные комнаты, водопровод, водяная уборная, кладовые, ремесленные мастерские
Стены дворца покрыты многочисленными фресками, фрагменты которых хорошо сохранились. На них встречаются изображения быка, мирно пасущегося или разъяренного. Бык являлся как бы эмблемой критян, играл значительную роль в их укладе жизни и в религии. Искусство Крита имеет сходство с искусством Египта – охота на львов, кошки, ловящие птиц. Критяне
8
были мореплавателями, поддерживали торговые отношения с Египтом и, конечно, знали его культуру.
В Кносском дворце найден большой раскрашенный рельеф – увенчанный лилиями юноша, держа в руке жезл, идет плавным, широким шагом по цветущему лугу среди порхающих бабочек. Фигура юного «царя-жреца» (как назвали его археологи) построена по типу египетских: плечи, грудь и глаз даны в фас, лицо и ноги – в профиль. Но «царь-жрец» со своей осиной талией, змеевидными кудрями и произвольными пропорциями тела отходит от египетских правил.
В так называемом «тронном зале» кносского дворца на стене изображены грифоны – мифические существа с львиным туловищем, орлиными крыльями и головой орла. Они окружены цветущими лилиями. Кносские грифоны не чудовища, а какие-то обитатели райского сада. У них длинные лебединые шеи, львиный хвост поднят кверху и оканчивается завитком.
Еще интереснее изображения женщин, которые в критской живописи встречаются очень часто. Этих критских женщин археологи прозвали «парижанками», «дамами в голубом», «придворными дамами». У них тончайшие талии, голубые и гранатовые платья с пышными кринолинами, открытые корсажи, затейливые прически, перевитые жемчугом, с локонами, выпущенными на лоб, холеные обнаженные руки, тонкие носы с горбинкой и маленькие ротики с застывшей полуулыбкой.
Основным изображением в кносском дворце была двойная секира: она присутствовала в орнаменте на стенах, в руках у богов и молящихся. Она была символом плодородия.
В критских дворцах царит асимметрия. Та же асимметрия прослеживается и в критских вазах.
Интересны критские вазы стиля камарес (по названию места, где эти вазы были найдены, это пещера Камарес близ Феста). На темную поверхность сосуда наносились спиралевидные, словно кружевные, светлые узоры. Такова
9
знаменитая ваза с осьминогом. Асимметрия в том, что ваза как будто расплывается, то сокращается, колышется и пульсирует, как осьминог.
Дворцовый стиль критских ваз: роскошные вазы, украшенные растениями, цветами, полипами, кораллами.
Критские вазописцы достигли редких высот мастерства. Они изготовляли сосуды, различные по форме и размерам, - от маленьких чашечек с тонкими, почти прозрачными стенками (их называют “яичной скорлупой”) до громадных глиняных яйцевидных сосудов – пифосов, достигавших двух метров в высоту, в которых хранили зерно, вино, воду. У ваз нет тяжёлых широких поддонов. Они тяготеют к объёмным, сферическим формам. Для устойчивости их иногда полностью или частично закапывали в землю. Вазы раскрашивали ярко, и смело, применяя красную, белую, синюю и чёрную краски. Композиции включали в себя как геометризованные формы, так и образы живой природы. Весьма часто на вазах изображали моллюсков, коралловые рифы, осьминогов, оплетающих щупальцами весь сосуд. Особенно были любимы цветы – лилии, тюльпаны, нежные и хрупкие крокусы. Их изображали как в вазонах, так и на грядках. Но более всего поражают цветы, склоняющие головки под порывами сильного ветра.
В конце XVI века Крит постигла катастрофа. Его города превратились в развалины. По-видимому, главной причиной было какое-то страшное стихийное бедствие: извержение вулкана, землетрясение. Падение критских городов было довершено нападениями ахейских племен.
Критской культуры не стало, но еще около трех столетий близкая ей микенская культура существовала на греческом материке. Близкая, но не точно такая же: росписи суше, строже, архитектура более сурова. В критских городах не было крепостных стен, военных укреплений. Микенских и тиринфский дворцы – настоящие крепости. Они воздвигались на высоких холмах и окружались стенами, сложенными из огромных каменных глыб. Такую кладку греки позже назовут циклопической – по их мнению, циклопы – великаны
10
могли поднимать эти камни. Толщина крепостной стены Тиринфа достигает восьми метров. Из мощных блоков сложены знаменитые «Львиные ворота», ведущие на микенский Акрополь; большие надвратные рельефы двух львиц – единственный сохранившийся образец монументальной скульптуры Эгейского мира.
Люди микенской эпохи недаром строили крепости: войны длились годами. О Троянской войне рассказано «Илиаде» Гомером.
В Микенах Г.Шлиман обнаружил целый ряд царских погребений – шахтных гробниц. В них оказалось множество украшений, кубков, оружия, золотые маски усопших. Одна из них доныне именуется маской «Агамемнона».
Приблизительно в XI веке до н.э. в Грецию вторглись дорийцы. Эгейская культура уступила их натиску, на смену крито–микенской культуре пришел более низкий уровень – «геометрический стиль искусства» эпохи неолита: в основе росписей лежала линия, геометрические рисунки в виде ромбов, кругов, треугольников, меандра (узор в виде изломанной линии).














1.2 КУЛЬТУРА ГРЕЧЕСКОЙ АРХАИКИ.


В конце VIII, главным образом, в VII –VI столетиях складываются черты греческой архаики. В искусстве греческой архаики видны черты крито-микенской культуры, геометрического стиля, следы влияния соседних восточных культур. В искусстве архаики возникли основные типы и формы, которые позже будут развиты. Искусство архаики обладает своим неповторимым обликом.
В архитектуре – это храмы на вершинах холмов, посвященные божеству – покровителю полиса. Эти торжественные жилища богов имеют своим прообразом человеческое жилище, так называемый мегарон, - простая балочно-стоечная конструкция с входным портиком и двускатной кровлей. Взятая за основу, она усложняется при строительстве храмов: портик разрастается в колоннаду, окружающую храм. Четко расчленяются основные элементы его конструкции: постамент, колонны, несущие и несомые части. Образуемая композиция называется орденом. В греческой архаике сложились три основных ордера: дорийский, ионический, коринфский. В дорийском ордере колонны приземистые, сужаются кверху. В ионическом ордере колонны прямые, пропорции облегчены. Коринфский ордер отличается от ионического более сложной формой капители в виде листьев аканфа.
В дорийском стиле построен храм Геры в Олимпии (VII век до н.э.), храм Аполлона в Коринфе (VI в. до н.э.). Храм Артемиды в Эфесе построен в ионическом стиле. Этот храм был сожжен Геростратом, который стремился достичь славы любым путем.
Все три стиля имеют одну функцию – поддерживать горизонтальные балки, они окружают внутреннюю постройку с глухими стенами, где «живет» статуя божества.
Основным материалом строителям служил сначала известняк, затем мрамор.

12
В архаическую эпоху сложились основные принципы градостроительства: кремль - акрополь с храмом, агора - рыночная площадь, пританеи – общественные здания, булевтерии – место совета старейшин, гостиницы, театры, палестры – школы.
В скульптуре архаической эпохи преобладают статуи стройных обнаженных юношей и задрапированных молодых девушек – куросы и коры. Художников привлекала только молодость и совершенство. Куросы всегда стоят прямо, тело готово к движению, полуулыбка на лице. В корах афинского Акрополя идеал женственности выражен в его первозданной чистоте. Улыбка светла, взор доверчив, радостно изумлен, фигура задрапирована пеплосом – покрывалом, или легким одеянием – хитоном, волосы струятся по плечам вьющимися прядями. Фигуры сохранили следы раскраски – волосы были золотистыми, щеки розовыми, глаза голубыми.
Особо необходимо сказать об архаической вазописи. На глиняных сосудах, употреблявшихся в быту, изображались сложные сюжетные композиции – пиры, битвы, подвиги Геракла, колесницы и многое другое. Особенно часто рисовали на вазах эпизоды из истории Диониса – бога виноделия.
Самой распространенной формой греческих сосудов была двуручная амфора с яйцевидным туловищем и сужающейся горловиной, предназначенная для хранения вина. Существовали и многие другие: килик – плоская чаша на подставке, из которой пили вино; узкий кувшин – лекиф, в который наливали масло или благовония. Вино разливалось по чашам посредством особого черпака – киафа. Гидрия – кувшин о трех ручках: одной длинной, за которую носили пустой сосуд, двух маленьких, за которые поддерживали кувшин, когда наливали воду. Большие широкие кратеры служили для смешивания вина с водой. Знаменитый кратер, так называемая «ваза Франсуа», покрыт росписью, расположенной в несколько поясов, где изображено более 200 фигур, рассказана вся история подвигов Ахилла, героя Троянской войны. Автор этой вазы Клитий.
13
Стиль росписи ваз был сначала ориентализирующим, затем чернофигурным, в конце VI в. до н.э. возникла краснофигурная техника.
Ориентализирующий стиль развивался под воздействием культур Сирии и Египта. Отсюда крылатые грифоны, чудовища, сирены, горгоны, спиралевидный узор, которым покрывали все свободное пространство на вазе, поэтому ваза иной раз напоминает ковер. Отсюда, этот стиль еще называют ковровым.
Чернофигурный стиль зародился в Аттике в конце VII в. до н.э. и некоторое время существовал параллельно с ковровым. Слово «керамика» происходит от предместья Афин Керамик, где работали искусные мастера чернофигурного стиля. Секрет стиля утрачен, это чернолаковые силуэты на красновато-желтом фоне обожженной глины. Легенда рассказывает, что первой художницей была девушка, которая очертила на стене тень от фигуры любимого. Чаще всего изображали мифологические сцены или сцены из обыденной жизни (битвы, хороводы, состязания, пиры). Голова и нижняя часть фигуры на вазе изображалась в профиль, туловище – в фас. Обилие надписей на вазах свидетельствует о широкой грамотности.
В конце VI в. до н.э. появляется краснофигурная техника. Фон делался черным, а фигуры – желто-красными. Фигуры становятся пластичнее, рисунок делает шаг к живописи. В краснофигурном стиле работал известный вазописец Евфроний. Лучшая из его ваз – пелика с ласточкой. Юноша, мужчина и мальчик увидели ласточку и по - разному выражают восторг от увиденного. Краснофигурный стиль принято делить на строгий, роскошный и беглый стили.
Строгий стиль: мифологические сцены, сюжеты близки по тематике рисункам на чернофигурных вазах. Во второй четверти V в. до н. э. происходит переход от плоскостного к объемному изображению фигур. Вазописцы роскошного стиля обращались к сюжетам сложным, перегруженным сценами борьбы, фигуры перекрывают друг друга, введены элементы пейзажа. Примером является амфора с Пелопсом, похищающим Гипподамию. Небрежная манера
14
рисунков на вазах IV в. до н.э. дала основание именовать их росписями беглого стиля. Росписи делали не пером, а кистью размашистыми мазками. Стали применять розовую, голубую, зеленую и другие краски. Все эти новшества привели к утрате некоторых традиций в вазописном мастерстве.
В целом, искусство греческой архаики основано на уравновешенности, соразмерности, порядке.























1.3 КУЛЬТУРА ГРЕЧЕСКОЙ КЛАССИКИ.


В искусстве греческой классики слиты чувство меры, рациональность, чувственность. Эти качества ощущаются в архитектуре, в живописи, в пластике.
Высшей точки экономического и политического подъема Греция достигла в середине V в. до н.э. после победы над персидской державой. Во главе греков в борьбе против персов находился город Афины. Афинам принадлежала и роль главного культурного центра, которую они сохранили надолго.
В V в. до н. э. стали строить специальные помещения для театральных зрелищ – амфитеатры под открытым небом, расположенные на склоне холмов, рассчитанные на десятки тысяч зрителей. Строители амфитеатров владели секретом необычайной акустики: каждое слово актера было слышно даже в верхних рядах.
Афинский Акрополь, разрушенный персами, был заново отстроен. Акрополь – большой продолговатый холм, возвышающийся над городом и венчающий его храмами, посвященными покровительнице города Афине – богине мудрости и труда. Комплекс Акрополя органически связан с окружающим ландшафтом: морем, горами. Акрополь был и святилищем, и укреплением, и общественным центром, здесь хранилась государственная казна, помещалась библиотека и картинная галерея. На празднествах в честь Афины происходило всенародное шествие на Акрополь. Процессия поднималась по каменистой тропе к главному западному входу в Акрополь – Пропилеям. По сторонам шестиколонного портика Пропилей располагались два боковых крыла: одно – более массивное с глухими стенами (здесь помещалась Пинакотека), другое – в виде выступающего вперед высокого постамента, увенчанного маленьким изящным храмиком Ники Аптерос – Бескрылой Победы (бескрылой ее изображали, чтобы она не могла улететь из города). Пройдя через Пропилеи, процессия оказывалась на большой площади, где высилась восьмиметровая
16
статуя Афины – воительницы из бронзы, отлитая знаменитым скульптором Фидием. Она была центром всего ансамбля, была видна издалека. Справа от площади находился Парфенон – главное и самое большое сооружение Акрополя, посвященное Афине Парфенос – Афине Деве. История сохранила имена его зодчих – Иктин и Калликрат, они выстроили Парфенон в 447 – 438 гг. до н. э. Весь из светлого мрамора, с 46-ю дорийскими колоннами. С одной стороны фронтон со скульптурами, изображающими спор Посейдона и Афины; с другой – вход в храм, где находился алтарь Афины. Парфенон стоит на южной стороне холма.
А на северной стороне холма находился Эрехтейон. Строился он позже, уже в последней четверти V века до н. э., но в согласии с общей планировкой. Каждый из четырех фасадов Эрехтейона оформлен по-разному. На западном фасаде шесть тонких, стройных ионических полуколонн стоят на высоком цоколе. Северный портик выдается далеко вперед так, что виден в профиль одновременно с западным, его колонны стоят прямо на земле. Длинная южная сторона храма, гладкая, сложенная из мраморных квадров, служит фоном для маленького, сдвинутого к западу, портика кариатид, где роль колонн выполняют женские фигуры. И, наконец, восточный фасад – портик обычного типа с колоннами на трехступенчатом постаменте.
Таким образом, различные типы решения ионического портика объединяются в Эрехтейоне в очень своеобразное целое.
В восточном крыле Парфенона помещался главный алтарь Афины. Скульптурная группа фронтона над входом изображала рождение Афины из головы Зевса. Эта сцена трактовалась Фидием как грандиозное космическое событие; его созерцают божества солнца и ночи и богини судьбы Мойры. Мойры хорошо сохранились, но головы отбиты.
Внутри алтаря находилась статуя Афины Парфенос, сделанная из слоновой кости и золота, работы Фидия. Афина опиралась на круглый щит с рельефами,

17
изображавшими борьбу греков с амазонками. Один воин с лицом Перикла, а другого Фидий лепил с себя.
Планировка Акрополя непринужденна. Зодчие избегали фронтальности, симметрии, параллелизма. Но в этой свободной живописной планировке все продумано и выверено, простая симметрия заменена равновесием. В самом деле, справа от Пропилей – храм беседка Ники – Аптерос, а слева - большее по размерам помещение Пинакотеки. А дальше обратное расположение: справа величественный Парфенон, слева небольшой Эрехтейон. Эрехтейон созвучен храму Ники, а Парфенон – зданию Пинакотеки.
Присмотримся к Парфенону. Он как будто бы геометричен – прямоугольник в плане, по 8 колонн на коротких сторонах, по 17 - на длинных, простая двускатная кровля. Кажется, что он выстроен не с помощью линейки, а рожден землей Греции. Вырос на вершине холма.
Оказывается, геометрическая правильность Парфенона сопровождается легкими отклонениями: колонны по углам поставлены теснее, чем в середине, промежутки между ними не равны. Горизонтальные линии Парфенона тоже не строго горизонтальны, они имеют некоторую кривизну, волнообразно приподнимаясь к центру и понижаясь по сторонам.
У подножия Акрополя с южной стороны был построен театр Диониса, ставший основным типом театра для всех греческих городов.
Одним из прославленных сооружений классической Греции является Галикарнасский мавзолей, одно из «семи чудес света». Это прямоугольное в плане здание – усыпальница галикарнасского царя Мавзола, которая расположена на первом этаже. Над огромным цоколем располагались фризы с рельефами, затем ионическая колоннада со статуями и ступенчатая пирамида с колесницей Артемизы (жены Мавзола) и самого царя Мавзола. В украшении Галикарнасского мавзолея принимал участие Скопас – один из самых выдающихся скульпторов времени поздней классики.

18
Архитектурными памятниками греческой классики являются: храм Афины Аллеи в Теге, автором которого является Скопас; комплекс в Эпидавре.
В скульптуре классической Греции преобладал мужественный, строгий стиль: битвы, схватки, подвиги героев. Из источников известны имена живописцев: Полиглот, Аполлодор, Зевксис, Апеллес и другие. Человеческое тело изображалось в динамике, они действуют, движутся. Таков «Дискобол» Мирона.
Но сохранились и скульптуры не воинов. Например, рельеф с изображением «Рождение Афродины» на троне Людовизи.
Скульптуры фронтонов Парфенона сохранились частично и в сильно поврежденном состоянии. Сохранился фронтон западной стены Парфенона с изображением всадников, каждый из которых не похож друг на друга. У них разные движения, позы, лица.
Человеческий облик был преобладающей темой пластических искусств. Скульпторы показывали человека крупным планом, язык тела был и языком души, показывали чувства, переживания, эмоции. Тела греческих статуй необычайно одухотворены. Движения просты, естественны, не связаны с чем – то возвышенным: мальчик вынимает занозу, Ника развязывает сандалию, бегунья готовится к бегу. Статуи в спокойных позах легкого движения. Таков Дорифор (копьеносец) Поликлета. Головы греческих статуй приведены к общему типу: прямая линия носа, правильный овал, продолговатый разрез глубоко сидящих глаз, небольшой рот, полные губы, волнистые волосы, округлая форма черепной коробки.
В эпоху поздней классики меняется поза стоящей фигуры – это поза мечтательного отдыха, фигура легко опирается на столб, опору: «Отдыхающий сатир» Праксителя, «Раненая амазонка» Поликлета.
Деметрий из Алопеки изображал людей такими, какие они есть: с животами и лысинами. Некрасивость понималась им как физический недостаток.

19
Другие, напротив, изображали только прекрасное. Таким был Леохард, создавший статую Аполлона Бельведерского – эталон красоты.
Скульптуры из бронзы создавал Лисипп, чаще всего это были мужские фигуры. Любимое его изображение – подвиги Геракла. Новым явился разворот фигуры в пространстве, она должна была смотреться кругом. В музее Ватикана находится статуя Лисиппа «Апоксиомен».
Сохранилось достаточно много надгробий периода греческой классики. В сценах на них тихая, печальная задумчивость. Смерть – это покой, греки олицетворяли ее в фигуре мальчика – Танатоса, близнеца Гипноса – сна.
В эпоху эллинизма глиняные сосуды были вытеснены богатой утварью: из драгоценных металлов и бронзы. Но керамика сохранилась и особо популярна, стала рельефная керамика с изображениями венков, гирлянд, музыкальных инструментов.
В конце IV в. до н. э. наступил период разложения и гибели демократического полиса. Начало этому было положено возвышением Македонии, северной части Греции, продолжено завоевательными походами Александра Македонского.












1.4 ЭЛЛИНИСТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО.


Эпоха эллинизма – объединение эллинской и восточных культур после распада державы Александра Македонского. Страны Востока (Египет, Сирия, Малая Азия) обладали своими древними художественными традициями, но экспансия греческой культуры их пересилила. В планировке города бралась за основу система регулярной застройки, создателем которой был греческий архитектор Гипподам, живший в V в. до н. э. Применялись античные ордеры, но с большей свободой и разнообразием сочетаний, чем в классической архитектуре.
Эллинистическое искусство полно контрастов – гигантского и миниатюрного, парадного и бытового, аллегорического и натурального. Состратом был построен Фаросский маяк, одно из «семи чудес света», расположенный у входа в Александрийскую гавань на о. Фарос. Это гигантское здание, состоящее из прямоугольного основания и двухъярусных башен, увенчанных фонарем, где поддерживался огонь.
Произошел отход от обобщенного человеческого типа к пониманию человека как существа конкретного, индивидуального. Но скульптуры не достигают гармонии и целостности: голова статуи «Диадоха» не вяжется с его обнаженным торсом, повторяющим тип классического атлета. Но эллинистическое искусство полно и великих памятников искусства, таких как Афродита Мелосская, Ника Самофракийская, алтарь Зевса в Пергаме. Неизвестные авторы этих скульптур работали в русле классической традиции, развивая ее творчески.
Крупнейшим центром эллинистического искусства был Пергам, а также остров Родос. В Родосе была воздвигнута грандиозная статуя Гелиоса (Колосс Родосский) высотой 37 метров, ее изваял Харес, ученик Лисиппа. Это одно из «семи чудес света». Очевидно, Харесу принадлежит и статуя Ники Самофракийской, которая изображена в момент приземления на нос корабля,
21
отсюда впечатление только что завершившегося полета. В правой руке Ники была зажата труба, звучанием которой она возвещала победу греков. В ней - чувство широты мира, огромности пространства, слиянии с природой.
Скульптором Агесандром или Александром создана статуя Афродиты или Венеры Мелосской во II в. до н.э. Она, обнаженная только наполовину, задрапированная до бедер, строга и возвышенно спокойна. Она олицетворяет не столько идеал женской прелести, сколько идеал человека в общем и высшем значении. У статуи отбиты руки, неизвестно, что было у нее в руках. Перед нами мраморная загадка, полная красоты и величия.
Еще один замечательный памятник эллинизма – алтарь Зевса в Пергаме, построенный в честь победы над галлами, тоже «одно из семи чудес света». Почти квадратный в плане Пергамский алтарь спереди открывался величественной лестницей. Высокое основание подиумов (прямоугольная платформа с лестницей), расположенных буквой «П», украшал большой фриз, расположенный на цоколе здания. Фриз изображал борьбу богов и гигантов, и ступени, по которым поднимались наверх к жертвеннику, служили опорой каменным участникам битвы. Все сооружение увенчивалось ионическим портиком. В центре открытого прямоугольного пространства находился жертвенный алтарь. На площади пергамского Акрополя стояли скульптурные группы, изображающие исторические события: галл, убивающий жену и себя, чтобы избежать плена; умирающий галл и другие. На рельефе Пергамского алтаря изображены сражения не на жизнь, а на смерть, тела переплетены так, что образуют бурное месиво тел.
Самым характерным для эллинизма скульптурным произведением явился «Лаокоон» великого Агесандра. Лаокоон и его сыновья погибают от двух чудовищных змей.
В скульптуре появляется интерес к житейским подробностям, к повседневному быту, начинают изображать стариков, детей, неимущий люд. В классическую эпоху детей изображали как миниатюрных взрослых.






22
Мы видим, насколько разнообразны художественные течения эллинизма: сохраняются некоторые классические традиции, но появляются и новые черты.
Во всех скульптурах эллинистического периода запечатлен момент крайнего напряжения, неудержимое стремление вперед.
























ЗАКЛЮЧЕНИЕ.


Древняя Греция и ее культура занимают особое место в мировой истории. В высокой оценке Греческой цивилизации сходятся мыслители разных эпох и направлений. Французский историк прошлого века Эрнест Ренан назвал цивилизацию древней Эллады "греческим чудом". Самые высокие оценки греческой цивилизации не кажутся преувеличенными. Греция заложила основы будущей европейской культуры.
Общество и культура Древнего Египта уже в начале третьего тысячелетия до нашей эры находилась на той ступени развития, которая позволяет говорить о переходе от варварства к цивилизации. В науке, философии, литературе и изобразительном искусстве Греция превзошла достижения древневосточных цивилизаций, развивающихся уже более трех тысяч лет. Разве не было это чудом.
Греки, знакомясь с египетской культурой и культурой других стран Древнего Востока, многое заимствовали. Древним грекам было присуще глубокое уважение к старине. Вот почему греки были готовы щедро отдать другим народам свои собственные достижения. Древняя Греция открыла человека как прекрасное и совершенное творение природы, как меру всех вещей.
У истоков греческой культуры находится крито - микенская цивилизация. Отличительной чертой данной цивилизации является наличие дворцов-цитаделей, мощных архитектурных комплексов, содержащих обширные кладовые, помещения административного и культурного назначения. Такого рода дворец — средоточие сложной экономической военной и религиозной жизни. Дворец, прежде всего, это храм – место поклонения богу.
Со временем греческая архитектура все больше соединяется с общественными процессами. По мере роста благосостояния и развития демократии важнейшим центром полиса становится — агора, площадь, где
24
собирался народ для решения, как политических, так и экономических вопросов, начала обстраиваться зданиями, предназначенными для различных общественных нужд — разного рода правительственные учреждения: здание городского совета — булевтерий, театр, гимнасий, палестра, стадион. Греки стремились к тому, чтобы архитектура вселяла в их сердца чувство бодрости и уверенности, а не подавляла своей величиной, как египетский храм. Архитектура классической Греции разумна и понятна: величина, форма, место каждой детали имеют ясное и простое объяснение.
Одним из видимых результатов развития греческой цивилизации стала античная скульптура. Заимствованная греками из цивилизации Египта она отличается большей мягкостью, живостью и большей индивидуализацией очертаний. Скульпторы древней Греции находили новые приемы изображения, пытаясь передать все пластику, гибкость человеческого тела, эмоции, одухотворенность лица, пластичность движений.
Особенностью греческой культуры является искусство вазописи, которое несколько раз изменяло свой стиль на протяжении веков, оставаясь прекрасным творением человека.
В целом искусство античной Греции имело огромное значение для всей последующей истории мировой культуры. В нем впервые осуществлены представления о красоте и достоинстве человека. Создав замечательное зодчество, древние эллины создали и классические решения синтеза архитектуры с величавыми творениями монументальной скульптуры и живописи.
Велика была роль греческого искусства для культуры Римской империи, для цивилизаций Востока. Но особую роль наследие античности сыграло в эпоху Возрождения, когда зодчие, скульпторы широко пользовались культурными достижениями Греции.
Многие культурные ценности древней Греции погибли, были разрушены, были уничтожены; меньшая часть дошла до нас. Но поиски продолжаются и,
25
возможно, мы еще будем иметь возможность познакомиться с диковинными культурными ценностями древнегреческой цивилизации.



























СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ.

1. Алпатов М.В. Искусство. М., 1987.
2. Бродский Б. Каменные страницы истории. М., 1960.
3. Дмитриева Н.А., Акимова Л.И. Античное искусство. М., 1988.
4. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. М., 2000.
5. Куманецкий К. История культуры Древней Греции и Рима. М., 1990.
6. Памятники мирового искусства. М., 1970.






















ПРИЛОЖЕНИЯ.

Портретная живопись русских художников XIX в.

ОГЛАВЛЕНИЕ


Введение…………………………………………………………………..с.3-4
1 Портретная живопись русских художников XIX в. ………………...с.5-26
1.1 Портретная живопись русских художников I плоловины XIX в....с.5-16
1.1.1Портрет в творчестве О.А.Кипренского…………………………..с.5-9
1.1.2 Портретная живопись в творчестве раннего Тропинина и
раннего Венецианова…………………………………………………… с.10-12
1.1.3 Портрет в творчестве К. Брюллова……………………………….с.13-16
1.2 Портретная живопись русских художников II половины XIX……с.17-26
1.2.1 Портрет в творчестве В.Г.Перова…………………………………с.17-18
1.2.2 Портрет в творчестве И.Н.Крамского …………………………....с.19-24
1.2.3 Портретное наследие И.Е.Репина…………………………………с.25-26
2 Заключение……………………………………………………………..с.27
3 Список литературы…………………………………………………….с.28
4 Приложение…………………………………………………………….с.29-51











ВВЕДЕНИЕ
Тема данной работы «Портретная живопись русских художников XIX века». Эта тема в современных условиях достаточно актуальна т.к искусство в жизни человека играет большую роль. Оно учит видеть и познавать окружающую действительность, вносит подлинную красоту в жизнь людей. И, мне думается, что данная тема даёт возможность лучше познать внутренний мир человека XIX века.
Цель работы: показать развитие портретной живописи русских художников XIX века.
Задачи работы:
рассмотреть портретную живопись русских художников XIX века;
на основе различных исследованных источников рассмотреть особенности портретной живописи русских художников XIX века;
Показать красоту и силу русской портретной живописи XIX века.
Для написания работы потребовалось изучение множества различных исторических источников по данной теме (периодическая печать, исследовательские монографии, фото материалы).
На основе проведенной работы можно сказать, что многие исследователи, такие как Л.С.Алёшина, М.Н.Шумова и другие, давая оценку портретной живописи русских художников XIX века, говорят о том, что XIX век был временем создания романтического портрета. Именно в этот период времени утверждаются ценности неповторимо индивидуальной, свободно чувствующей человеческой личности, провозглашённой в романтических и отчасти сентиментальных идеалах. Соединение черт интимных и гражданских сообщает портрету пушкинской поры удивительную одухотворённость и благородство.
Э.И. Голубева, оценивая портретную живопись России XIX века, говорит об экспрессии и глубине русского портрета. Т. Курочкина отмечает глубокий психологизм русской портретной живописи XIX века.
4
Таким образом, надо сказать, что портретная живопись русских художников XIX века высоко оценивается различными исследователями русской живописи этого периода.

5
1 ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ XIX ВЕКА
1.1 Портретная живопись русских художников 1 половины XIX века
1.1.1 Портрет в творчестве О.А.Кипренского
«Первая четверть XIX века ознаменовалась в искусстве созданием романтического портрета. Основная линия развития русского романтического портрета прошла в творчестве О.А.Кипренского, раннего Тропинина и раннего Венецианова» .
Ярче всего этим черты проявились в творчестве О.А. Кипренского (1782-1836). В людях, которых он портретировал, его более всего занимает жизнь души, оттенки душевного состояния, он стремиться уловить мгновения особой душевной сосредоточенности, вдохновенного порыва. Он смотрит на человека не испытующе, а понимающе, сочувственным взглядом. Стремиться к образу цельной, гармоничной личности, к образу человека чувствующего, даёт верное изображение многих своих прославленных современников.
Ему принадлежит вдохновенный, красочный портрет гусара Е.В.Давыдова (1809). В этом портрете проявляется сильный цветовой аккорд. Яркая киноварь мундира, белизна чакчир, золото и серебро шитья в окружении глубокого бархатистого сумрака предгрозового пейзажа. Здесь, сочетание напряжённого цветового решение и романтической нестройности пейзажа, придают всему облику молодого гусара внутреннюю энергию и вместе с тем одухотворённость, гармонирую с оттенком меланхолической задумчивости, на его бледном лице с чистым, открытым лбом. Перед нами характерный для той поры образ воина – защитника Отечества, защитника национальной свободы.
В портрете юного Челищева проявление контраста света и цвета выражает трепетность внутренней жизни ребёнка, всем существом внимающего,
____________________________
1. Искусство: книга для чтения. – М., 1969, с. 35
6
открывающийся перед ним мир. Ровесника нового века, его легко представить
тем юным ревнителем славы старших братьев, каким рисовал А.С.Пушкин своего лицейского сверстника в дни Отечественной войны 1912 года. Романтические искания, освобождая жизнь от классического ригоризма, открывают новый этап развития реалистических начал. Портрет Чилищева – один из первых в русском искусстве подлинно детских портретов, где специфика детского возраста дана как нечто , имеющее самостоятельную ценность и своеобразие.
Особенно хороши женские портреты Кипренского. Понимание неповторимого своеобразия человеческой личности ощущается в женских портретах, до Кипренского, как правило, более традиционных, более подчинённых той или иной идеализирующей концепции, эстетическому канону, нежели портрет мужской. Образы женщины, созданный Кипренским, имеет глубокие русские корни. Это высокий образ русской женщины, обаятельной женственной, но вместе с тем порывистой, деятельной, был увековечен в лучших портретах Кипренского, в его Растопчиной, с её задумчивым взором, как бы излучающим кроткий свет, трогательно-грустной Авдулиной, в приветливой Хвостовой.
Например, портрет Е.С Авдулиной (1822). Он поражает изысканной тонкостью живописи, ювелирной отделкой деталей и вместе с тем его красота какая-то холодная, лишённая душевного трепета. Портрет скорее именно поражает, даже восхищает мастерством письма, нежели волнует. В меланхолическом образе молодой женщины, томимой собственной бездеятельностью, нет и тени сердечности и прямодушия Растопчиной, доверчивости Хвостовой и её внутренней мягкости, соединённой с нравственной силой. В портрете Хвостовой «модель обращалась к зрителю с взглядом, полным ожидания сочувствия, она была готова раскрыть навстречу этому сочувствию своё сердце» .
________________________________
1. Сурис Б. Кипренский- портретист. – Ленинград, 1974, с. 15
7
Особенно ярко русские корни просматриваются в портрете Н.В. Кочубей. Приветливый взгляд девушки притягивает, в нём угадывается живость, готовность
откликнуться на голос другого. Домашний костюм, развязанные тесёмки ворота и выбившаяся прядь волос, придают её облику простоту и естественность – черты напоминают пушкинскую Татьяну. Но примечательно, что и в домашней обстановке человек сохраняет благородный и возвышенный характер и в этом глубокое отличие портрета Кипренского от немецких портретов с их самодовольным мещанским уютом. Образ очаровательной русской девушки воплощён Кипренским в форме типичной для русского искусства. В портрете Кипренского всё дышит естественностью и милой простотой.
«Таким же замечательным мастером, как в портретной живописи, Кипренский предстаёт в многочисленных портретных рисунках, принадлежащих к наиболее интересной и ценной части его творческого наследия. По сути дела, именно Кипренский стал создателем этого нового для его времени жанра. В этой области он не имел прямых предшественников. В руках Кипренского карандашный портрет, поднятый им на огромную художественную высоту, приобретает значение вполне самостоятельного, законченного жанра, получившего вслед за тем широкое распространение в русском искусстве» .
В период Отечественной войны Кипренский создаёт большой цикл портретных рисунков, ныне воскрешающих перед нами целую галерею действующих лиц исторической драмы – от прославленных его участников до оставшихся безымянными. К такому жанру относиться Портрет А.Р. Томилова.
Начиная с 1822 года Кипренский работает в жанре парадного портрета. В основе этого направления лежит принцип характеристики человека не столько
________________________________
1. Сурис Б. Кипренский- портретист. – Ленинград, 1974, с. 25

8
«изнутри» сколько через окружающую его обстановку. Содержательности портрета художник старается теперь добиться путём подробного и тщательного воспроизведения многочисленных аксессуаров, богато разработанных околичностей – используется ли в качестве фона роскошный интерьер с анфиладой парадных комнат (как в портрете графа Д.Н.Шереметьева) или уголок парка в помещичьей усадьбе (портрет К.И. Альбрехта).
Одним из лучших в ряду портретов такого типа следует признать портрет театрала садовода-любителя А.Ф. Шишмарева (1827). «В нем нет ничего традиционно- репрезентативного. Молодой человек изображен в свободной белой рубахе, у деревенской изгороди. Позади него – сельский пейзаж с фигурами жниц. Образ молодого Шишмарева спокойно – созерцателен. Он может служить прямой антитезой раннему портрету Е.В. Давыдова (поза которого, кстати, почти буквально тут повторена – не нарочно - ли ?). Там были буря и натиск, здесь -идиллия. В нем есть и близость к природе, и своя поэзия иного рода, лишенная взлета, - поэзия покоя, морального и физического здоровья, радости безмятежного существования в окружении простой деревенской природы. Да и природа эта, в отличие от романтической декорации портрета Давыдова, воспроизводится художником с очевидным стремлением передать ее предельно убедительно и конкретно. Вплоть до таких подробностей, как ромашки на переднем плане или присевшая на изгородь стрекоза» .
Тенденции, приведшие в 1820 –х годах к появлению в творчестве Кипренского этих портретов – картин, противоречивы. Но если в них ( сравнительно с произведениями предыдущих лет) внутренний облик человека предстанет в значительной мере обедненным, то мир, его окружающий, получает гораздо более реальное и конкретное отображение.
_______________________________
1.Этюды об изобразительном искусстве / М.Алпатов, А.Баранов.-М.,1993, с.10
9
Подлинного своего торжества это устремление достигается в портрете А.С. Пушкина. Портрет был написан летом 1827 года. В нем проявляется жизнеутверждающая ясность с оттенком чувственного жизнелюбия. О портрете восторженно писали, что это – живой Пушкин, и смысл этих слов, надо полагать, гораздо глубже, чем может представляться человеку не посвященному.
Кипренский был одержим мечтой дать такую систему живописи, которая давала бы полную иллюзию жизни, действую как зеркало, которое переливается столькими же красками, сколько их отражается на его поверхности. Сопричастность духовному миру 19 века позволил создать Кипренскому в своих портретах не приходящий образ, человека первой половины 19 века.


10
1.1.2 Портретная живопись в творчестве раннего Тропинина и Раннего Венецианова
К числу крупнейших русских портретистов первой четверти XIX века принадлежит соученику Кипренского по Академии художеств В.А.Тропинину (1776-1857).
Романтических черт в творчестве Тропинина гораздо меньше, более близок его творчеству сентиментализм рубежа XVIII-XIX веков, с характерными для него идеалами близости природе, непосредственности выражения чувств, уединённой интеллектуальной жизни вдали от света.
«Тёплая гамма золотисто-розовых и зеленовато-коричневых тонов, тёплые красноватые тени карнаций в портрете сына художника Арсения (1818) свидетельствуют о связях искусства Тропинина с живописной системой XVIII века. Задумчивый взгляд мальчика, свободно лежащие завитки светло-русых волос, небрежно распахнутая у ворота рубашка вызывают в памяти сентименталистические идеалы с их призывом к простоте, к жизни сердца, где-то в основе здесь лежат руссоистские идеалы свободного воспитания ребёнка вне условностей жизни общества» .
Конец 1810 – 20 – е годы и первая половина 30-х годов – время творческого расцвета Тропинина. Одна из лучших работ этих лет – портрет А.С.Пушкина (1827). В спокойной непринуждённой позе поэта, в выражении сдержанного оживления, которым дышит его лицо, чувствуется ясность мироощущения и душевное здоровье. Здесь концентрируется жизнеутверждающее начала русской культуры первой четверти XIX века, то ощущение полноты, радости творчества и бытия, которые были присущи лучшим представителям поколения того времени.
_____________________
1.Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000, с. 235
11
«В 30 – е годы XIX века портретные образы Тропинина утрачивают поэтическую целостность, становится сложнее, многограннее, что особенно характерно, художник улавливает порой внутреннюю противоречивость духовного мира своей модели. В этом, до известной степени отражается новый этап русской жизни, который ознаменовал в среде мыслящих людей настроение рефлексии и в тоже время поиск социальных идеалов» . В колорите появляется сдержанность, граничащая порой с сухостью и жесткостью. Типичными являются портреты Самарина Ю.Ф. (1840), Воейкова (1842).
«Замечательным живописцем, создателем своеобразного национально -романтического течения в русской живописи был А.Г. Венецианов. Он сочетает в своем творчестве традиции столичного академизма и русского романтизма начала 19 века» . Он становится художником русского бытового жанра, обращаясь к крестьянской жизни, он создает так называемые жанровые портреты, которые содержат зачатки сюжета, а иногда перерастают в жанровые сцены. От портретов в собственном смысле Венецианов хотел даже вовсе отказаться: 1823 году он писал на портрете М.М. Философовой: «Венецианов в марте 1823 года сим оставляет свою портретную живопись» . И действительно, портретов такого рода у него с тех пор встречалось мало. Он снова обращается к жанровому портрету и пишет в основном образы крестьян. Так, например «он пишет обнаженную девушку Машу в позе вакханки, т.е. с чашей в одной руке и с дугой рукой закинутой за голову. Но это поза ни сколько не делает Машу похожей на античную героиню, вся ее прелесть в том, как она неумело, напряженно держит
чашу, в смущенной и чуть-чуть виноватой улыбке на ее простом, круглом,
______________________
1. Стасов В.В. Избранные статьи о русской живописи. – 1984, с.50
2. Там же, с. 52
3. там же, с. 55
12
русском лице. Эта картина показывает зрителю простую русскую девушку» .
Венецианов очень часто писал деревенских детей. Озабочен чем-то деловитый Захарка. «В отцовской шапке, в больших рукавицах, с топором на плече, он будто
«мужичок с ноготок», о котором несколько десятилетий спустя расскажет в стихотворении великий русский поэт Н.А. Некрасов» . Портреты Венецианова показывали, как прекрасны лицом и сердцем простые люди и в этом его заслуга.


















__________________________
1. Юный художник, 1993, № 5-6, с. 5
2. Стасов В.ВЫ. Избранные статьи о русской живописи. – М., 1984, с. 72
13
1.1.3 Портрет в творчестве Карла Брюллова

Ещё одним блистательным художником - портретистом был русский живописец первой половины 19 века К.П. Брюллов (1799-1852). Портрет занимает в творчестве художника значительное место. Брюллов овладел профессиональными навыками портретиста и выработал самостоятельный подход к задачам портретной живописи раньше, чем стал мастером исторической и жанровой картины. Развивая гуманистическую тенденцию, заложенную великими портретистами 18 века и продолженную первым русским романтиком Кипренским, он создал целую плеяду портретов, отмеченных острой наблюдательностью, точных и лаконичных по изобразительной форме и вместе с тем овеянных политическим чувством. Реалистические искания сыграли не маловажную роль в творчестве Брюллова – портретиста. Уже в первых своих работах художник проявил способность выразить характер и передать типические особенности изображаемых ими людей. Достаточно всмотреться хотя бы в портрет Доменико Марини, метателя тяжести, чтобы оценить своеобразие и меткость портретной характеристики, созданной Брюлловым. Главным, что хотел выразить здесь мастер, является неукротимая жизненная энергия, изображенного им отлета.
Ранние портреты Брюллова не ставят перед собой психологических задач и не чужды романтической идеализации натуры. Это особенно заметно в портрете Джованнины Паччини, известном под названием «Всадница». Брюллов построил этот портрет как жанровую картину с двумя персонажами, которые объединены сюжетным действием и архитектурно - пейзажным фоном. Не одна деталь не является здесь случайной, каждая форма несет смысловую и одновременно декоративную функцию, подчиненную главной задаче – создать жизнеутверждающий, глубоко гуманистический образ прекрасного человека с

14
явным оптимистическим мировосприятием, органически связанной с окружающей его природой.
Иначе задуман портрет архитектора А.М. Горностаева, «в котором романтические тенденции Брюллова выступают с меньшей отчетливостью. Все средства рисунка и колорита намеренно подчеркнуты живописные эффекты, светотени подчинены задаче создания драматической характеристики. Резкие контрасты светотени придают лицу выражение волевого усилия, внутренней энергии , столь типичных для представителей романтизма. Именно в портретной живописи Брюллов сохранил творческую свободу, была портретная живопись , и именно здесь наиболее полно и блистательно раскрылись лучшие стороны его дарования» .
В портретной живописи художника принято различать как бы два раздельных направления – с одной стороны, интимные портреты, характеризующиеся глубоким и тонким психологическим анализом, с другой – парадные, торжественные портреты – картины, где декоративные элементы преобладают над психологическими. Однако, подчёркивая это различие, можно отметить, преимущественно, внешние качества искусства Брюллова. По существу же во всех формах его портретной живописи проявляется «один и тот же идейный строй, один и тот же внутренний принцип, который можно было бы определить, как постепенное преодоление романтических концепций и непрерывное нарастание и развитие принципов реализма» .
Черты романтической условности отчётливо проступают в известном портрете Н.В.Кукольника. «Изысканная и несколько нарочитая поза молодого литератора, таинственный сумрак, окутывающий его фигуру, живописная игра светотени,
__________________________
1. Петров В.Н. Брюллов. – М., 1960, с. 35
2. Искусство: книга для чтения. – 1969, с. 56
15
выделяющая его лоб и затеняющая его глаза, которые смотрят рассеяно,
задумчиво и печально – весь этот круг романтических приёмов использован здесь Брюлловым для создания обобщающего образа Поэта – романтика» .
В портретах-картинах, изображающих Ю.П.Самойлову, удаляющуюся с бала, Е. П. Салтыкову и сестёр О.А и А.А. Шишмаревых романтические концепции также ещё очень сильны. Как и в описанной выше «Всаднице», «эти концепции проявляются в подчёркнутой декоративности построения, и в настойчивом стремлении художника опоэтизировать облик его героинь. Торжественная и пышная красота Самойловой, мечтательность Салтыковой, внутренняя красота и девические грации юных Шишмаревых становятся доминирующими чертами в портретной характеристике, более углублённый психологический анализ остаётся как бы вне замысла художника» . Но по сравнению с ранней «Всадницей», в портретах картинах конца 1830-х годов больше жизненной правды, больше индивидуальности в выражении характера, больше гармонии и ясности в композиционной структуре.
Эти черты выступают с особенной отчётливостью в замечательном портрете Самойловой. Здесь с ещё небывалой силой раскрывается дар Брюллова- колориста. «Напряжённо горящие краски этого портрета, типичные для художника цветовые контрасты красного и синего, тонко продуманные градации красных, желтоватых, чёрных и серебристо-белых тонов не только создают повышенный декоративный эффект, но и становятся главным средством выражения чувств и внутреннего содержания вложенного художником в созданный им образ» .
____________________
1.Юный художник. 1993, № 10, с. 12
2.Петров В.Н. Брюллов. – М., 1960, с. 42
3. Там же, с. 44
16
Новую ступень в развитии портретного мастерства Брюллова отмечают работы 1840-х годов. Становление последовательно реалистического метода можно видеть в портрете И.А.Крылова, в замечательном портрете А.Н.Струговщикова. Преодолевая романтическую идеализацию натуры, проникновенно и правдиво раскрывают судьбу и характер своего героя, Брюллов даёт ему четкую и заостренную характеристику.
К позднему периоду его творчества относиться самый замечательный портрет археолога Микельанджело Ланчи. «Никогда ещё психологический анализ Брюллова не достигал такой остроты и силы, не осуществлялась в портрете такая совершенная гармония замысла и изобразительной формы» . Это последнее произведение художника стало вершиной его реалистического мастерства.














_________________________
1. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000, с. 237
17
1.2 Портретная живопись русских художников II половины XIX века
1.2.1 Портрет в творчестве В.Г.Перова
Наиболее последовательным художником второй половины XIX века стал В.Г.Перов. (1834-1882).
В начале 70 – х годов Перов создаёт ряд портретов. Он писал преимущественно портреты писателей и художников. «Он подходит к модели как строгий аналитик, чем в большей мере определяет художественный строй созданных им работ. Они скромны по колориту, а некоторые просто тусклы по живописи, просты по композиции, фон в них был почти всегда нейтрален. В них есть особая объективность и точность общественной характеристики изображённого» .
В Перовских портретах писателей и художников поражает нравственная сила, душевное благородство. При всей простоте, казалось бы обыденности облика изображённых, эти портреты не были камерными, они дают яркое представление не только об отдельных личностях, но и об идеалах эпохи.
Лучшим, что было создано Перовым в жанре портрета, стал портрет Ф.М.Достоевского (1872). Писатель целиком ушёл в свои мучительные думы. Суровая простота облика приоткрывает нам смысл упорного раздумья Достоевского, его неотступное внимание к мукам простых людей. Крамской писал о портрете Достоевского: « Портрет этот не только лучший портрет Перова, но один из лучших портретов русской школы вообще. В нём все сильные стороны художника налицо: характер, сила выражения, огромный рельеф. Решительность теней и некоторая как бы резкость и энергия контуров, всегда присущие его картинам, в этом портрете смягчены удивительным колоритом и гармонией тонов» .
________________________
1.Горина Т.Н. Русское искусство 2 пол 19 в. – М., 1962, с.16
2. Там же, с. 20

18
В силу большой правдивости ряду портретов, исполненных Перовым, присущ критический элемент. Наиболее показателен в этом отношении портрет купца Камынина (1872). Портреты Перова дают типичные образы людей второй половины XIX века. Яркость социальной характеристики, глубина психологического анализа составляют их сильнейшую сторону. И это является характерной чертой портретного искусства второй половины XIX века.





















19
1.2.2 Портрет в творчестве И.Н.Крамского
«Крамской принадлежал к числу художников, мало способных к сочинению и писанию «картин» (и слава богу!), но зато он отличный и правдивый портретист, и поэтому сделанное им хорошо и никогда не будет малозначительно, никогда не будет низменно» . Картины Крамского, при многих крупных достоинствах своих, никогда не будут равняться с его портретами. Серьезность направления, ум, выразительность, до известной степени типичность изображаемых личностей, группировка, а главное, все то, что дается умом, мыслью, соображением, - все это представляет много замечательного и ставящего картины Крамского на высоту чего – то значительного в нашей школе. Но чувствителен тут же недостаток этой творческий силы, которая если наполняет художника, то сообщается к зрителю. Поэтому –то именно создавание картин являлось в продолжение всей жизни Крамского очень тяжелым делом. Он всегда это сам чувствовал. В портретах Крамского – совсем другое. Он способен был глубоко вникать в человеческую натуру, он долго и пристально изучал человеческую голову, выражение характеров, лиц, он обладал значительным талантом художественного исполнителя, который он еще развил прилежным самовоспитанием, - и оттого – то среди громадной массы написанных им портретов лучшие, удачнейшие образуют несравненное собрание словно живых людей. «Это галерея современников Крамского, выраженных со своею особенностью их натуры, характера, типа. Тут и злые, тут и ничтожные люди, тут и высокие таланты, тут и дикие звери, тут и кроткие добряки, тут и глубокие умы, тут и пустые болтуны, тут и тупые вертопрахи – целая их масса тут очутилась и осталась правдиво вылепленною на веки веков. Эта галерея, которой может гордиться наше искусство» .
_________________________
1. Голубева Э.И. Беседы о русской живописи II половины XIX в.- Л.,1960, с.15
2. Там же, с. 17
20
В работах карандашом Крамской выступает как художник, уже обладающий своим творческим лицом, ив тоже время в его ранних живописных работах чувствуется влияние предшествующих мастеров. Таков портрет жены художника С.Н.Крамской («За чтением», 1863). «Стремление к несколько условной красотке образа, к интимности характеристики, к романтическому использованию пейзажного фона сближает его с произведением брюлловской школы» .
В 1861 году на выставке передвижников Крамской показывает портрет замечательного пейзажиста Ф.А.Васильева, которого он глубоко любил .Крамской создаёт в портрете сложный многогранный образ, пленяющий своей жизненностью и поэтичностью. Уже в самой композиции портрета чувствуется стремление к углублённым характеристикам образа.
Летом 1873 года Крамской пишет портрет И.И.Шишкина. «Знаменитый русский пейзажист изображён среди знакомого нам по его картинам скромного, но прекрасного среднерусского пейзажа, который составляет неотъемлемую часть произведения. Этот портрет – одна их первых пленэрных работ художника» .
Середина и вторая половина 70-х годов XIX века были для Крамского временем плодотворного труда. В это время он создаёт большое количество портретов.
Крамской пишет портрет П.М.Третьякова. Очень выразительно тонкое, интеллектуальное лицо Третьякова он пишет крупным планом. «Третьяков предстаёт перед зрителем сдержанным, сосредоточенным, полным напряжённой духовной жизни. Крамской проникновенно передаёт его ум, благородство, скромность и простоту. Портрет привлекает красотой цвета и тона. Это своеобразный памятник замечательному русскому человеку» .
______________________
1. Юный художник, 1991, № 12
2 .Курочкина Т.И. И.Н.Крамской. – М., 1963, с. 20
3. Там же, с. 22
21
В 1876 году Крамской уезжает за границу. Будучи в Италии и Франции, Крамской создаёт несколько портретов своих соотечественников. Лучший из них портрет М. М .Антокольского, исполненный в Риме, где жил знаменитый русский скульптор. «Прекрасно написана крупная, характерная голова Антакольского с коротко подстриженными торчащими «ёжиком» волосами, бледное смуглое лицо,
чёрные сверкающие глаза. От всего его облика веет внутренней энергией. Звучная красочная гамма усиливает полнокровную жизненность и силу образа» .
Крамской был создателем нового типа портрета-картины. Содержание образа раскрывается здесь не только посредством характеристики самого человека, но и окружающей его обстановки, в которой, по мнению художника, ярче всего проявляется наиболее значительные черты личности портретируемого. Показ человека в отношении и взаимосвязи с окружающей действительностью давал возможность углубить его образную характеристику.
Из числа портретов – картин прежде всего следует упоминать портрет великого русского поэта Н. А. Некрасова, названный «Некрасов в период «Последних песен». Изобразив больного Некрасова за сочинением одного из его лучших произведений, «Крамской создаёт образ поэта – гражданина, для которого жизнь неотделима от творчества. Крамской предает страстность и силу души Некрасова ещё более впечатляющие по контрасту с его высохшим изжелта-бледным лицом и слабым, бессильным телом. Окружающая обстановка помогает раскрыть содержание внутренней жизни поэта. Возле дивана, на котором лежит Некрасов, стоит бёст В.Г.Белинского. Может быть, в портрете тесть некоторое излишество деталей, особенно в изображении находящихся на столике предметов. Но это объясняется желанием художника запечатлеть обстановку» .
_____________________
1. Емохонова л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000, с. 239
2. .Курочкина Т.И. И.Н.Крамской. – М., 1963, с. 25
22
В плане развернутой характеристики творческой деятельности человека решен Крамским портрет известной русской певицы Е.А. Лавровской (1878). «Она показана на сцене большого зала Дворянского собрания во время празднования юбилея М.И. Глинки. Художник дает здесь целую картину из жизни музыкального Петербурга» .
Позднее, 1886 году, Крамской изображает видного ученого-астронома О.В. Струве на башне Пулковской обсерватории, наблюдающего в телескоп ночное небо.
Все большее значение приобретает у Крамского выразительность жеста рук портретируемого, обогащающая характеристику его внутренней жизни. Это было закономерным следствием стремления художника выразить «подвижность» человеческой натуры. Показательным примером раскрытия образа человека через его позу и жест является портрет писателя Д.В. Григоровича (1876). Восхищенной правдивостью и глубиной характеристики Григоровича, В.В. Стасов восклицает: «Это не портрет, а просто драма!» - употребляя слово «драма» в буквальном его смысле – действие. Стоящий в фас к зрителю в эффектной, несколько театральной, ораторской позе, с чуть запрокинутой назад головой, маститый писатель сразу привлекает к себе внимание зрителей. Двойственная оценка Крамским Григоровича сказывается в присутствии в портрете критического оттенка. Талантливый писатель показан художником как яркая артистичная личность, незаурядный общественный деятель и вместе с тем как самовлюбленный барин, любящий красивую сантиментальную фразу» .
Совершенно иной образ создает художник в портрете великого русского писателя, публициста и критика М.Е. Салтыкова – Щедрина (1879).
____________________
1. Курочкина Т.И. И.Н.Крамской. – М., 1963, с. 28
2. Там же, с. 31
23
Крамской очень высоко оценивал значение его деятельности для русской культуры. Правдиво и убедительно передает художник строгую простоту, благородство и величие Салтыкова – Щедрина. «Он достигает этого глубоким раскрытием содержания его внутренней жизни. Огромную роль в характеристике играет жест. Великий писатель изображен с судорожно сжатыми руками, тонкие длинные пальцы его словно застыли от чрезмерно душевного напряжения, в котором он уже долгое время находится. Непоколебимая логика мысли, глубокое знание жизни придают ему мужественную силу и решимость. Здесь нет и малейшего следа нарочитой приподнятости. Сила произведения – в умении художника в реальном, живом образе человека воплотить общественный и нравственный идеал эпохи. И хотя Салтыков – Щедрин не изображен как активный борец с существующим социальным строем, в нем чувствуется потенциальная способность к подвигу» .
Лучшие работы – Портреты художника А.Д. Литовченко (1878) и историка искусства А.В. Прахова (1879). Замечательные по правдивости и красоте колористического решения, они показывают, до какой высоты живописного мастерства поднимался иногда Крамской.
Чуткая, страстная, самолюбивая и нервная натура Литовченко раскрыта художником с необычайной выразительностью. Внешне непринужденный, элегантный, одетый по последней моде времени, Литовченко показан внутренне настороженным, неудовлетворенным, одиноким, беспомощным и несчастным. И его модный костюм, и сигарета с целым столбиком пепла, почитавшимся тогда высшим шиком курильщика, воспринимаются, как своего рода маска, скрывающаяся от нескромных глаз постороннего истинную сущность этого человека. Написанное с большим сходством лицо Литовченко – худощавое,
____________________
1. Голубева Э.И. Беседы о русской живописи II половины XIX в.- Л.,1960, с.52
24
болезненно бледное, с впалыми щеками и глубоко сидящими пылающими глазами – обладает громадной впечатляющей силой, оно поразило М.П. Мусоргского при посещении им передвижной выставки, на которой экспонировалось это произведение.
Портрет А.В. Прахова написан Крамским всего лишь за один сеанс, в короткий петербургский зимний день. «Художник раскрывает в Прахове внутреннюю холодность и созерцательную пассивность умного, тонкого и образованного человека. В образе Прахова воплотился новый социальный тип наступающей «эпохи безвременья» 80-х годов с ее жестокой правительственной реакцией, оттолкнувшей от участия в общественной жизни значительную часть русской интеллигенции» .
Его творчество оставило глубокий след в русском искусстве. Замечательный мастер исторической и жанровой картины, более всего он прославился как портретист. Даже тематические произведения художника близки к портретному жанру по острому психологизму содержания и приемам однофигурной композиции.









_____________________
1. Курочкина Т.И. И.Н.Крамской. – М., 1963, с. 33

25
1.2.3 Портрет в творчестве Репина
Огромно портретное наследие Репина. Его портреты очень разнообразны по характеру образов и живописно – композиционному решению. Но всем им присущи жизненность и глубина постижения модели, исчерпывающая полнота характеристики и типизация (яркий пример тому – «Протодиакон», 1877). Репин развил и обогатил самые ценные стороны творчества Перова, Крамского, Ге. Он создал галерею портретов крупнейших деятелей национальной культуры. В числе лучших из них следует назвать портреты М.П. Мусоргского, хирурга Н.И. Пирогова (оба 1881), П.А. Стрепетовой (1882), В.В. Стасова (1883), Л.Н. Толстого (1887).
Портрет Мусоргского был написан за несколько дней до смерти композитора. «Пространственный, вибрирующий голубовато – охристый фон стены делает особенно рельефной и жизненной фигуру. Голубоватые рефлексы легли на смуглое лицо. Тонкой нюансировкой цвета, обогащенного рефлексами, художник сумел добиться необычайной жизненности образа, передать богатство духовной жизни, огромный талант и в то же время душевные страдания неизлечимо больного человека» .
В портрете Стрепетовой художник запечатлел существо таланта и характера актрисы – ее духовное горение, артистичную страстность, четкую отзывчивость, внутренний надлом. Новое содержание диктовало новую форму, не статичную, основанную на тщательной светотеневой лепке объема, а динамическую, где цвету принадлежит решающая роль в формировании образа.
Внутренне страстные, но внешне сдержанные, портреты Пирогова и Стасова полны активного утверждения жизненной силы, творческой энергии человеческой личности.
_______________________
1.Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000. с. 268
26
В таких работах, как портрет Нади Репиной (1881), «Стрекоза» (портрет В. Репиной, 1884), «Осенний букет» ( портрет В. Репиной (1892), художник выступает как мастер, чутким к живописными тенденциями тех лет. Так, «Осенний букет» является примером портрета в пленэре, получившего блестящее решение в творчестве ученика Репина, В.А. Серова.
В 1890 – 1900 – х годах Репин исполнил ряд заказных портретов, в том числе – огромный групповой портрет «Торжественное заседание Государственного Совета» (1901 – 1903, боковые фигуры написаны учениками Репина – Б.М. Кустодиевым и И.С. Куликовым). «В колорите произведения – звучных пятнах парадных мундиров, голубых и алых муаровых орденских лент, блеске эполет, позолоте кресел и кольцевой композиции, акцентированной беломраморными колоннами круглого зала – передана особая торжественность юбилейного заседания. Она оттеняет всё ничтожество и душевную пустоту высшей сановной бюрократии предреволюционной России. В многочисленных этюдах к этому произведению, смелых и красивых по живописи, художник акцентирует основные черты модели - подобный метод портретной характеристики типичен для искусства начала XX века» . Далее его творчество развивается в рисуночных портретах художника.







______________________
1. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000. с. 273
27
2. ЗАКЛЮЧЕНИЕ
В заключение работы можно сделать следующие выводы:
Первая четверть XIX века в портретной живописи характеризуется созданием романтического портрета;
В портретной живописи русских художников XIX века происходит соединение черт интимных и гражданских, что сообщает портрету XIX века одухотворённость и благородство;
Создавая портреты, русские художники XIX века, создают непреходящие образы человека изучаемого периода;
В портретной живописи художников XIX в. принято различать как бы две раздельные струи – с одной стороны, интимные портреты, характеризующиеся глубоким и тонким психологическим анализом, с другой – парадные, торжественные портреты – картины, где декоративные элементы преобладают над психологическими. Однако, подчёркивая это различие, мы отмечаем, преимущественно, внешние качества искусства Брюллова. По существу же во всех формах его портретной живописи проявляется один и тот же идейный строй, один и тот же внутренний принцип, который можно было бы определить, как постепенное преодоление романтических концепций и непрерывное нарастание и развитие принципов реализма;
Русские художники XIX века сумели воплотить в красках русского портрета духовный мир своих современников. Именно в портретной живописи создало искусство этого времени свои лучшие произведения;
Особенностью портретной живописи русских художников XIX века является соединение академизма с элементами романтизма.


28
3 СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
I. Периодическая печать
1. Журнал Юный художник., 1993, № 1
2. Журнал Юный художник., 1991, № 9
3. Журнал Юный художник., 1993, № 10
4. Журнал Юный художник., 1993, №, № 5-6
5. Журнал Юный художник., 1991, № 12

II. Литература
1. Голубева Э.И. Беседы о русской живописи II половины XIX века. – Ленинград,1960. – 242с., ил.
2. Горина Т.Н. Русское искусство II половины XIX века., М., - 1962. – 73 с., ил.
3. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2000. – 448 с.,ил.
4. Искусство: книга для чтения. / под ред. М.В. Алпатовой. – М., 1969. 545 с.,ил.
5. Курочкина Т. И.Н.Крамской. – М., 1963. – 42 с., ил.
6.Петров В.Н. Брюллов. – М., 1960. – 26 с. Ил.
7.Подуновский В. Первая Третьяковка. – М., 1979. – 127 с. Ил.
8. Сурис Б. Кипренский – портретист . – Ленинград., 1967. – 47 с., ил.
9. Стасов В.В. Избранные статьи о русской живописи. – М., 1984. – 154 с., ил.
10. Шумова М. Федотов. – Ленинград, 1974. – 175 с., ил.
11. Этюды об изобразительном искусстве / М.Алпатов, А.Баранов. – М., 1993. – 192 с.



























31


















32

33





К. П. Брюллов. «Всадница». Портрет Джованины и Амацилии Паччини воспитаниц гр. Самойловой Ю. П. 1832 г.

39


























О. А. Кипренский. «Портрет лейб-гусарского полковника Евграфа Давыдова». 1809.



О. А. Кипренский. «Портрет Е. С. Авдулиной». 1822-23. Русский музей.





О. А. Кипренский. «Портрет Алексея Томилова, коллекционера, участника Отечественной войны 1812 года». 1813.









А. С. Пушкин. Портрет работы О. А. Кипренского (1827, Третьяковская галерея). Этот портрет является наиболее известным из всех изображений Пушкина. Впервые он был экспонирован на выставке петербургской Академии художеств в сентябре 1827 года. "Ты вновь создал, волшебник милый, Меня, питомца чистых Муз - И я смеюся над могилой, Ушед навек от смертных уз..." - написал поэт художнику
























































Неизвестная 1883 г







































«Портрет А. В. Тропинина» (сына художника). Около 1818 года. Третьяковская галерея.